Koho táto socha zobrazuje?

Koho táto socha zobrazuje?


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Viem, že som to už niekde videl. Nemôžete si však doživotne alebo ja spomenúť, od koho je táto socha? Akákoľvek pomoc by bola veľmi cenená…


Dejiny olmeckého umenia a sochárstva

Getty Images/Manfred Gottschalk

  • Ph.D., španielčina, Štátna univerzita v Ohiu
  • M.A., španielčina, University of Montana
  • B.A., španielčina, Penn State University

Olmecká kultúra bola prvou veľkou mezoamerickou civilizáciou, ktorá sa rozvíjala pozdĺž mexického pobrežia Mexického zálivu asi v rokoch 1200-400 pred n. L. predtým, ako sa dostanete do záhadného úpadku. Olmec boli veľmi talentovaní výtvarníci a sochári, na ktorých sa dnes najlepšie spomína vďaka ich monumentálnej kamennej tvorbe a jaskynným maľbám. Napriek tomu, že dnes prežilo relatívne málo kúskov olmeckého umenia, sú dosť pozoruhodné a ukazujú, že umelecky povedané, Olméci ďaleko predbehli dobu. Mohutné kolosálne hlavy nachádzajúce sa na štyroch miestach Olmec sú dobrým príkladom. Zdá sa, že väčšina prežívajúcich olmeckých umení mala náboženský alebo politický význam, t.j. kusy ukazujú bohov alebo vládcov.


Newyorská komisia pre kontroverzné pamiatky

V roku 2017 starosta New Yorku Bill de Blasio zriadil komisiu na vyhodnotenie niekoľkých kontroverzných pamiatok v okolí mesta vrátane Rooseveltovej sochy, ktorá stojí na pozemkoch vo vlastníctve mesta. Mesto rozhodlo, že Rooseveltova socha zostane na svojom mieste, ale mali by byť poskytnuté ďalšie informácie.

Tento projekt sa snaží poskytnúť návštevníkom širší kontext sochy tým, že predstavuje zámer pôvodnej plánovacej komisie, ako aj zámery architekta, ktorý pamätník navrhol, a sochára, ktorý sochu vytvoril, spôsoby, akými sa socha interpretuje dnes, a viacero pohľadov na to, ako by bolo možné sochu v budúcnosti riešiť.


Umelecký výcvik a rané vplyvy

O Vermeerovom rozhodnutí stať sa maliarom je prekvapivo málo známe. Dňa 29. decembra 1653 sa zapísal ako majster maliarstva do cechu Delft svätého Lukáša, ale totožnosť jeho majstra (majstrov), povaha jeho školenia a obdobie učňovského obdobia zostávajú záhadou.

Pretože Vermeerovo meno nie je uvedené v archívoch Delftu na konci štyridsiatych alebo na začiatku päťdesiatych rokov minulého storočia, je možné, že ako mnoho nádejných holandských umelcov cestoval do Talianska, Francúzska alebo Flámska. Tiež mohol trénovať v inom umeleckom centre v Holandsku, možno v Utrechte alebo Amsterdame. V Utrechte by sa Vermeer stretol s umelcami, ktorí boli ponorení do odvážne výrazných tradícií Caravaggia, medzi nimi Gerrit van Honthorst. V Amsterdame by sa stretol s vplyvom Rembrandta van Rijna, ktorého silné efekty šerosvitu zvýšili psychologickú náročnosť jeho obrazov.

Štylistické charakteristiky oboch obrazových tradícií-školy v Utrechte a školy Rembrandta-sa nachádzajú vo Vermeerových raných rozsiahlych biblických a mytologických obrazoch, ako napr. Diana a jej nymfy (asi 1653–54 tiež nazývaný Diana a jej spoločníci) a Kristus v dome Márie a Marty (asi 1654–56). Najvýraznejšia asimilácia týchto dvoch tradícií je zrejmá z Vermeerových Prokurátorka (1656). Námet tejto scény žoldnierskej lásky je odvodený od obrazu utrechtského školského výtvarníka Dircka van Baburena v zbierke Vermeerovej svokry, pričom sýte červené a žlté farby a výrazné efekty šerosvitu pripomínajú Rembrandtov štýl maľovanie. Tlmene osvetlená postava vľavo od kompozície je pravdepodobne autoportrétom, v ktorom Vermeer preberá masku márnotratného syna, úlohu, ktorú Rembrandt hral aj v jednej zo svojich vlastných scén „veselej spoločnosti“.

Na začiatku 50 -tych rokov minulého storočia mohol Vermeer tiež nájsť veľa inšpirácie vo svojom rodnom Delftu, kde umenie prechádzalo rýchlou transformáciou. Najvýznamnejším umelcom v Delftu bol v tej dobe Leonard Bramer, ktorý produkoval nielen malé historické obrazy-to znamená morálne upravujúce zobrazenia biblických alebo mytologických tém-, ale aj veľké nástenné maľby pre dvor kniežaťa Oranžského. Dokumenty naznačujú, že Bramer, ktorý bol katolík, slúžil Vermeerovi ako svedok v manželstve. Aj keď sa zdá, že Bramer bol prinajmenšom raným obhajcom mladého umelca, nikde nebolo uvedené, že bol Vermeerovým učiteľom.

Ďalším významným maliarom, ktorého Vermeer v tomto období musel v Delfte poznať, bol Carel Fabritius, bývalý Rembrandtov žiak. Zdá sa, že Fabritiusov sugestívne zamyslený obraz a inovatívne využitie perspektívy hlboko ovplyvnili Vermeera. Toto spojenie zaznamenal básnik Arnold Bon, ktorý pri písaní o Fabritiovej tragickej smrti v roku 1654 pri výbuchu práškovej továrne v Delfte poznamenal, že „Vermeer majstrovsky vykročil po [Fabritiovej] ceste“. Aj keď si bol Vermeer vedomý Fabritiovej práce, neexistuje žiadny dôkaz, ktorý by naznačoval, že študoval s Fabritiusom.

Bez ohľadu na okolnosti jeho raného umeleckého vzdelania začal Vermeer v druhej polovici 50. rokov 16. storočia zobrazovať scény každodenného života. Tieto žánrové maľby sú tie, s ktorými je najčastejšie spojený. Gerard Terborch, umelec z Deventer, ktorý majstrovsky vykreslil textúru vo svojich zobrazeniach domácich aktivít, mohol Vermeera povzbudiť, aby pokračoval v scénach každodenného života. Terborchov vplyv je určite zrejmý z jedného z prvých Vermeerových prvých žánrových obrazov, Dievča číta list v otvorenom okne (asi 1659), v ktorom pre mladú ženu vytvoril tichý priestor na čítanie jej listu. Na rozdiel od charakteristicky tmavých interiérov Terborchu však Vermeer kúpil túto pozoruhodne súkromnú scénu v žiarivom svetle, ktoré prúdi z otvoreného okna. Obraz tiež odhaľuje Vermeerov rozvíjajúci sa záujem o iluzionizmus, a to nielen v zahrnutí žltkasto zelenej opony visiacej z tyče tiahnucej sa cez vrch obrazu, ale aj v jemných odleskoch ženskej tváre v otvorenom okne.

Vermeerove interiérové ​​scény v tomto období boli tiež ovplyvnené dielom Pietera de Hoocha, vtedajšieho popredného žánrového maliara v Delfte. De Hooch bol majster v používaní perspektívy na vytvorenie svetelnej interiérovej alebo dvorovej scény, v ktorej sú postavy pohodlne umiestnené. Napriek tomu, že Vermeera a de Hoocha nespájajú žiadne dokumenty, je vysoko pravdepodobné, že obaja umelci boli v tomto období v tesnom kontakte, pretože námet a štýl ich obrazov boli v tých rokoch dosť podobné. Vermeerova Pohľad na domy v meste Delft (c. 1658 tiež nazývaný Malá ulica) je jednou z týchto prác: Rovnako ako pri scénach nádvoria de Hoocha, aj tu Vermeer zobrazil svet domáceho pokoja, v ktorom ženy a deti prechádzajú svojim každodenným životom v upokojujúcom prostredí svojich domovov.


Obsah

Contrapposto bol historicky dôležitým sochárskym vývojom, pretože jeho vzhľad je prvým znakom západného umenia v tom, že ľudské telo sa používa na vyjadrenie uvoľnenejšej psychologickej dispozície. To dodáva postave dynamickejší alebo alternatívne uvoľnený vzhľad. Vo frontálnej rovine to má za následok aj opačné úrovne ramien a bokov, napríklad: ak je pravý bok vyššie ako ľavé, pravé rameno bude nižšie ako ľavé a naopak. Termín sa môže použiť aj na označenie viacerých postáv, ktoré sú navzájom v protipóle (alebo v opačnej póze). Ďalej môže zahŕňať napätie, keď sa postava zmení z odpočinku na danej nohe na chôdzu alebo beh po nej (tzv. uvažovanie). Noha, ktorá nesie hmotnosť tela, je známa ako zasnúbený noha, uvoľnená noha je známa ako zadarmo noha. [1] Contrapposto je menej zdôrazňovaný ako zvlnenejšia krivka S a vytvára ilúziu minulého a budúceho pohybu. [2] Štúdia sledovania zraku z roku 2019, ktorá ukazuje, že contrapposto funguje ako nadprirodzené podnety a zvyšuje vnímanú atraktivitu, poskytla dôkazy a poznatky o tom, prečo sú v umeleckej prezentácii bohyne krásy a lásky často zobrazené v kontraste. [3] Toto je neskôr podporené v štúdii neuroimagingu. [4]

Klasická úprava

Prvá známa socha, ktorá používa contrapposto, je Kritios chlapec, c. 480 pred n. L., [5] takzvaný, pretože bol kedysi pripisovaný sochárovi Kritiovi. Je možné, dokonca pravdepodobné, že skôr bronzové sochy používali túto techniku, ale ak áno, neprežili a Kenneth Clark nazval sochu „prvým krásnym aktom v umení“. [6] Socha je gréckym mramorovým originálom a nie rímskou kópiou.

Pred zavedením contrapposto boli sochami, ktoré dominovali starovekému Grécku, archaické kouros (muž) a kore (žena). Contrapposto sa používa od úsvitu klasickej západnej sochy. Podľa kánon klasického gréckeho sochára Polykleita v 4. storočí pred n. l. je to jedna z najdôležitejších charakteristík jeho figurálnych diel a diel jeho nástupcov, Lysipposa, Skopasa atď. Polykletianske sochy (Discophoros („diskár“) a Doryphoros (napríklad „oštepár“) sú idealizovaní vyšportovaní mladí muži s božským zmyslom a zachytení v kontraste. V týchto dielach už panva nie je osová so zvislou sochou ako v archaickom štýle staršej gréckej sochy pred Kritios chlapec.

Contrapposto je jasne vidieť na rímskych kópiách sôch Herma a Herakla. Známym príkladom je mramorová socha Hermes a malé dieťa Dionýz v Olympii od spoločnosti Praxiteles. Je to možné vidieť aj na rímskych kópiách Polyklitových Amazon.

Grécke umenie kládlo dôraz na humanizmus spolu s ľudskou mysľou a krásou ľudského tela. [7] Grécka mládež trénovala a súťažila v atletických súťažiach nahotu. Veľkým prínosom k póze contrapposto bol koncept kánonu proporcií, v ktorom sa na vytváranie proporcií používajú matematické vlastnosti. [8]

Renesančná úprava

Klasické contrapposto v renesančnom umení oživili talianski umelci Donatello a Leonardo da Vinci, po ktorých nasledovali Michelangelo, Rafael a ďalší umelci vrcholnej renesancie. Jedným z výdobytkov talianskej renesancie bolo znovuobjavenie contrapposto.

Moderná doba Upraviť

Táto technika sa naďalej široko používa v sochárstve. Moderný psychologický výskum potvrdzuje atraktivitu pózy. [9] [3] [4]


Hinduistická socha

Hinduistická plastika predstavuje témy svojho náboženstva prostredníctvom zobrazenia božstiev a opakujúcich sa symbolov, napríklad lotosového kvetu.

Učebné ciele

Vyhodnoťte náboženské témy, ktoré prispievajú k porozumeniu hinduistickej sochy

Kľúčové informácie

Kľúčové body

  • Väčšina hinduistov verí v jediného najvyššieho Boha, ktorý sa prejavuje mnohými rôznymi prejavmi ako devas, alebo nebeské bytosti alebo božstvá Hinduistická plastika odráža túto pluralitu presvedčení.
  • Pretože náboženstvo a kultúra sú neoddeliteľnou súčasťou hinduizmu, opakujúce sa symboly ako bohovia a ich reinkarnácie, lotosový kvet a extra končatiny sa objavujú v mnohých sochách hinduistického pôvodu.
  • Božstvá sú často zobrazované s niekoľkými končatinami a hlavami, čo ukazuje rozsah Božej moci a schopností.
  • Pre hinduistickú sochu sú charakteristické opakujúce sa sväté symboly, ako napr om vzývanie božského vedomia Boha svastiky, symbolu priaznivosti a lotosového kvetu, symbolu čistoty, krásy, plodnosti a transcendencie.
  • Socha je neodmysliteľne spojená s architektúrou v hinduistických chrámoch, ktoré sú zvyčajne zasvätené množstvu rôznych božstiev.

Kľúčové pojmy

  • Hinduizmus: Náboženstvo alebo spôsob života, ktoré nájdete predovšetkým v Indii a Nepále s viac ako miliardou stúpencov, sú tretím najväčším náboženstvom na svete podľa počtu obyvateľov.
  • dharma: Kľúčový koncept s viacerými význammi v indických náboženstvách, hinduizme, budhizme, sikhizme a džinizme v hinduizme, znamená správanie, ktoré sa považuje za v súlade s poriadkom, ktorý umožňuje život a vesmír, vrátane povinností, práv, zákonov, správania , cnosti a “správny spôsob života. ”

Témy hinduistického umenia a sochárstva

Hinduizmus je skôr konglomerátom rôznych tradícií a filozofií než rigidným súborom presvedčení. Väčšina hinduistov verí v jediného najvyššieho Boha, ktorý sa prejavuje mnohými rôznymi prejavmi ako devas (nebeské bytosti alebo božstvá) a môžu uctievať konkrétne devy ako jednotlivé aspekty toho istého Boha. Hinduistická plastika, ako je vidieť v iných formách hinduistického umenia, odráža túto pluralitu presvedčení. Pretože náboženstvo a kultúra sú neoddeliteľnou súčasťou hinduizmu, v mnohých sochách hinduistického pôvodu sa objavujú opakujúce sa symboly ako bohovia a ich reinkarnácie, lotosový kvet, extra končatiny a dokonca aj tradičné umenie.

Vyobrazenia božstiev

K božstvám bežne uctievaným a zobrazovaným prostredníctvom sochárstva patrí Šiva, ničiteľ Višnu vo svojich inkarnáciách ako Ráma a Krišna Ganéša, sloní boh prosperity a rôzne podoby bohyne Shakti (doslova znamená “power ”), prvotný ženský tvorivý princíp. Tieto božstvá sú často zobrazované s viacerými končatinami a hlavami, čo ukazuje rozsah Božej moci a schopností. Napríklad bohyňa Sarasvatí je vždy zobrazená minimálne so štyrmi ramenami: dve ramená budú hrať na žilu, čo bude predstavovať ladenie jej znalostí, v jej ďalších dvoch rukách sa často nachádzajú modlitebné korálky a biblické texty, pričom obe predstavujú jej oddanosť. na jej spiritualitu. Ako bohyňa učenia a umenia je takto vykresľovaná ako veľmi schopná a mocná vo svojej oblasti odbornosti.

Shiva Nataraja, Pán tanca: Nataraja z Tamil Nadu, India. Socha zliatiny medi z dynastie Chola, ca. 950 - 1 000 n. L. Božstvo je znázornené ako božstvo s viacerými ramenami, ako je to bežné u idolov hinduistických bohov.

Symboly v hinduistickom sochárstve

Pre hinduistickú sochu je tiež charakteristické množstvo opakujúcich sa svätých symbolov vrátane omvzývanie božského vedomia Boha svastiky, symbolu priaznivosti a lotosového kvetu, symbolu čistoty, krásy, prosperity, plodnosti a transcendencie. S týmito vlastnosťami je lotosový kvet spojený vďaka svojmu vlastnému procesu kvitnutia: kvet vyrastá z bahna a spočíva na vode, v ktorej rastie, čo ilustruje ťažkosti, ktoré musí znášať, aby dosiahol maximálnu krásu. Mnoho božstiev má svoje meno podľa sanskrtského slova pre lotos, ako napr Lakshimi. Okrem týchto symbolov sú kvety, vtáky, zvieratá, nástroje, symetrické kresby mandaly, predmety a modly súčasťou symbolickej ikonografie v hinduizme.

Spojenie s architektúrou

Socha je neodmysliteľne spojená s architektúrou v hinduistických chrámoch, ktoré sú zvyčajne zasvätené množstvu rôznych božstiev. Štýl hinduistického chrámu odráža syntézu umenia, ideálov dharmy, presvedčení, hodnôt a spôsobu života, ktorý sa v hinduizme uchováva. Tieto chrámy sú ozdobené sochami a predstavujú sieť umenia, stĺpy s rezbami a sochy, ktoré zobrazujú a oslavujú štyri dôležité a nevyhnutné zásady ľudského života v hinduizme - snahu o artha (blahobyt, bohatstvo), honba za kama (potešenie, sex), honba za dharma (cnosti, etický život) a snahu o moksha (uvoľnenie, sebapoznanie).


Smith je autorom troch ocenených kuchárskych kníh: Späť k stolu Život v kuchyni: Skutočné jedlo pre skutočné rodiny a Návrat do Rodiny. Prispieval receptami a radami o varení Spektrum, najnovšia kniha kardiológa a bestsellerového autora New York Times Dr. Deana Ornisha. Mesačne upravuje článok na Oprah.com a prispieva článkami do O, časopis Oprah. [4] Jeho najnovšia kuchárska kniha (vydaná v máji 2013), Art Smith's Healthy Comfort, sa zameriava na zdravé varenie a zdravý životný štýl (vydavateľstvo Harper One 2013).

9. októbra 2015 Blog Disney Parks potvrdil, že šéfkuchár Smith otvorí v lete 2016 v Disney Springs novú reštauráciu (Homecoming: Florida Kitchen a Southern Shine). [5]

Spoločné vlákna Upraviť

Smith založil neziskovú charitu Common Threads, ktorá sa zameriava na výučbu detí o rôznych kultúrach prostredníctvom jedla a umenia. V roku 2006 poskytlo zariadenie Common Threads viac ako 750 detí a 2 000 zdravých jedál pre deti. Pôsobí v predstavenstve „Kids Café“, výživového programu pre deti v Minneapolise. Smith vlastní a prevádzkuje veľmi úspešnú reštauráciu v Chicagu s názvom TABLE päťdesiatdva, rovnako ako Art and Soul vo Washingtone, DC [6] [7] V roku 2009 Smith získal 10 000 dolárov pre spoločnosť Common Threads ako účastník televíznej šou Top Chef Masters , Sezóna 1. [7] [8]

Smith varil pre mnoho celebrít a hláv štátov, vrátane prezidenta Baracka Obamu a súčasného švédskeho kráľa. [9] Okrem toho, že bol šéfkuchárom guvernéra Floridy Boba Grahama, varil okrem iného aj pre guvernéra Floridy Jeba Busha, Romera Britta, filmových hviezd Aliho Landryho a Eduarda Verásteguiho. Objavil sa aj v Extreme Makeover: Home Edition. [10] Smith sa tiež objavil v segmente varenia v špeciáli ABC Lady Gaga z roku 2011 Veľmi Gaga vďakyvzdania v ktorom on a Gaga pripravili ďakovné jedlo z moriaka a oblátok. O niekoľko mesiacov neskôr sa Smith stal šéfkuchárom Joanne Trattorie, talianskej reštaurácie v New Yorku, ktorú vlastnili rodičia Lady Gaga. [11] Bol tiež porotcom celebrít v druhých sezónach reality šou BBQ Pitmasters a Nailed It, ako aj súťažil na turnaji Chopped Season 24 All-Stars Tournament a postúpil do finálového kola.

  • Cena Jamesa Bearda za rok 2002 za Späť na tabuľku: Stretnutie jedla a rodiny. [12]
  • 2001 Gourmand World Cookbook Award - kategória „Za ľudské hodnoty“. [12]
  • Humanitár roka, 2007, James Beard Foundation [13]
  • V roku 2008 bol Art Smith uvedený do siene slávy gayov a lesbičiek v Chicagu. [14]

Smith žije v meste Jasper na Floride so svojim manželom, maliarom Jesusom Salgueirom. Títo dvaja sa vzali na Lincolnovom pamätníku v roku 2011, potom, čo boli spolu 10 rokov. Svoj čas venujú mnohým veciam, od hodín varenia pre deti až po humanitárnu pomoc. [15]

Krátko pred 50. narodeninami diagnostikovali Smithovi cukrovku. Neskôr držal diétu a schudol 100 kíl. Smith sa teraz pokúša jesť šesť malých jedál denne. Má za sebou aj mnoho maratónov. [16]


Obmedzujeme sa na súčasný zámer umelca alebo sa pokúšame vidieť iné veci v umeleckom diele?

"Spôsob, akým v súčasnosti čoraz znepokojenejšie uvažujeme o klíme, je historicky špecifický," hovorí Gordon v súvislosti s tým, ako ľudia v roku 2020 interpretujú informácie súvisiace s klímou vrátane umenia. To znamená, že súčasníci Cirkvi v roku 1860 by nereprezentovali myšlienku „klímy“ s rovnakou emocionálnou batožinou ako my, čo zase vyvoláva nové otázky o tom, ako sa na tieto kúsky pozerať. Obmedzujeme sa na súčasný zámer umelca alebo sa pokúšame vidieť iné veci v umeleckom diele? Je ľadovec iba ľadovec, alebo je to metafora toho, ako spoločnosť vidí ľad?

Niektoré polia poskytujú jasné odpovede. Obrazy a náčrty umožnili výskumníkom vo Švajčiarsku pochopiť, ako sa správal dolný Grindelwaldský ľadovec, ležiaci v Alpách, po roku 1600 a pred vynájdením fotografie. Vedci sa v akademickej práci publikovanej v roku 2018 s potešením zhodli na tom, že „s veľkým počtom kvalitných obrazových dokumentov je možné zrekonštruovať históriu (malej doby ľadovej) mnohých ľadovcov v európskych Alpách od 17. do 19. storočia . ”

Obrazy, ako napríklad tento z roku 1774, umožnili vedcom pochopiť, ako sa správal dolný Grindelwaldský ľadovec pred vynájdením fotografie (Kredit: Alamy)

Jednoducho povedané, ak porovnáte predchádzajúci rozsah ľadovcov na starších obrazoch so súčasnými pozorovaniami, môžete povedať, ako dlho trval ľadovec, kým sme začali planétu ohrievať. Na druhej strane to môže poskytnúť odpovede na to, ako rýchlo môžeme v budúcnosti prísť o ľad.

Podobným spôsobom učenci z Grécka a ďalších krajín v štúdii z roku 2014 navrhli, aby farby západov slnka namaľované slávnymi umelcami mohli byť použité na odhad úrovní znečistenia v zemskej atmosfére za posledných päť storočí.

"Príroda hovorí k srdciam a dušiam veľkých umelcov," povedal výskumník Christos Zerefos, profesor fyziky atmosféry na aténskej akadémii v Grécku, keď bol výskum publikovaný. "Ale zistili sme, že pri farbení západov slnka obsahuje dôležité informácie o životnom prostredí spôsob, akým ich mozog vníma zelenú a červenú."

Štúdia z roku 2014 naznačila, že na odhad úrovní znečistenia za posledných päť storočí možno použiť maľby vrátane filmu JMW Turnera The Scarlet Sunset (Kredit: Alamy)

Ak sa vrátite späť, ako to robí nemecký historik Wolfgang Behringer vo svojej knihe Kultúrne dejiny podnebia, všimli by ste si, že pred 1500 -tymi rokmi sa v západoeurópskom umení vyskytoval len veľmi málo zasneženej krajiny. Behringer naznačuje, že nižšie teploty, ako sú obvyklé počas takzvanej Malej doby ľadovej, ponorili európskych umelcov ako Pieter Bruegel starší do nového odvetvia krajinomaľby: zimnej krajiny.

Tento subžáner zahŕňa diela, ako napríklad Bruegelovi Lovci v snehu, podrobné zobrazenie idylickej zimnej scény z roku 1565 na oleji na dreve. Ale za snehom sú to malé detaily, ktoré odhaľujú kultúrny a sociálny rozmer toho, ako ľudia žili s myšlienkou zmien v ich klíme.


Osram Ne Nsoromma

Adinkra je bavlnená tkanina vyrábaná v západnej Afrike, na ktorej sú vyrazené tradičné akanské symboly. Tieto symboly predstavujú populárne príslovia, ktoré často vyjadrujú viac významu, ako môže jediné slovo. Osram Ne Nsoromma je jedným z týchto symbolov a skladá sa z hviezdy a polmesiaca. Mesiac a hviezda spoločne predstavujú harmóniu, ktorá existuje vo vzťahu medzi mužom a ženou, a slúžia ako symbol lásky.

Steven van der Meulen, “The Hampden Portrait, ” circa 1563. Obrázok prostredníctvom Wikimedia Commons.

Staroveká grécka a rímska kultúra spájala ruže s Afroditou a Venušou, respektíve s bohyňami lásky. Ruže sú odvtedy uznávané ako symboly lásky a krásy. Každá farebná ruža má ďalší význam:

  • žltá: radostná láska
  • Červená: vášnivá láska
  • Ružová: pravá láska
  • biely: nevinnosť a čistota

Koho táto socha zobrazuje? - História

Často sa hovorí, že umelecké galérie sú dnes novými katedrálami - miestami, ktoré ľudia navštevujú, aby v sekulárnom veku doplnili ducha. Ale po mnoho storočí katedrály fungovali na spôsob umeleckých galérií. Vojdite do ktorejkoľvek katedrály v západnej Európe a objavíte nespočetné množstvo príkladov nádherných umeleckých diel, od zložitých drevorezieb a kovoobrábania až po pohyblivé mramorové sochy a nádherné maľované oltárne obrazy.

„Po klasickom staroveku sa kresťanstvo stalo prevládajúcou silou formujúcou európsku kultúru,“ vysvetľuje Jennifer Sliwka, kurátorka umenia a náboženstva v Národnej galérii v Londýne. "Potom, čo som v roku 380 urobil z Teodosia kresťanstvo oficiálnou štátnou cirkvou Rímskej ríše, mali diela zadané na akékoľvek duchovné, občianske alebo politické účely odrážať tento nový systém viery." V dôsledku toho Sliwka poukazuje na to, že „zhruba tretina obrazov v zbierke západoeurópskeho umenia Národnej galérie je náboženských predmetov - a takmer všetky sú kresťanské.“

V galériách moderného umenia je však podiel diel zaoberajúcich sa kresťanskými predmetmi oveľa menší. Po storočiach umelcov, ktorí sa aktívne uchádzali o patronát cirkvi, už náboženstvo a umenie nie sú také prirodzené. V dôsledku modernizmu sa niekedy zdá, že umenie a náboženstvo sú si navzájom cudzie alebo dokonca úplne nepriateľské. "Pri návšteve súčasnej galérie alebo veľtrhu umenia len zriedka očakávam, že uvidím diela, ktoré pojednávajú o náboženských témach," hovorí Sliwka.

Šokové doktríny

Keď sa súčasní umelci dnes zaoberajú kresťanskými témami, často to robia ikonoklastickým, ironickým, neúctivým alebo podvratným spôsobom. Spomeňte si na satirickú sochu La Nona Ora (1999) talianskeho výtvarníka Maurizia Cattelena, na ktorej leží pápež Ján Pavol II. Na červenom koberci rozdrvenú meteoritom, ktorý práve spadol z neba, alebo na Piss Christa (1987), fotografiu Americký umelec Andres Serrano, v ktorom je malý plastový krucifix ponorený v pohári moču.

La Nona Ora, Maurizio Cattelan (Hugo Philpott/AFP/Getty Images)

Keď bol v roku 1999 v New Yorku vystavený obraz Chrisa Ofiliho Svätá Panna Mária (1996), vtedajší primátor mesta Rudolph Giuliani vyňal výtvarníkovu predstavu o čiernej Madone s holými prsiami vytvarovanou zo slonieho trusu: „Myšlienka mať takzvané umelecké diela, v ktorých ľudia hádžu sloní trus na obrázok Panny Márie, je chorá, “povedal Giuliani.

Napriek tomu súčasní umelci, ktorí chcú o kresťanstve robiť menej kritické umenie, nie sú ohrozeným druhom, ako by ste si mohli myslieť. A v niektorých prípadoch cirkev dokonca opakuje svoju úlohu významného mecenáša umenia. Minulý týždeň napríklad londýnska katedrála sv. Pavla odhalila mučeníkov, novú videoinštaláciu amerického výtvarníka Billa Violu.

Svätá Panna Mária, Chris Ofili (Doug Kanter/AFP/Getty Images)

Nie je to prvýkrát, čo svätý Paul prijal súčasné umenie: v roku 1983 katedrála poverila sochára Henryho Moora, ktorého matka a dieťa z travertínového mramoru teraz sedí v uličke severného brehu. Martyrs je však prvým trvalým umeleckým dielom s pohyblivým obrazom, ktoré bolo kedy nainštalované v britskej katedrále alebo kostole. "Toto je veľký moment v histórii náboženského umenia," napísal kritik umenia Martin Gayford v denníku The Daily Telegraph. "Toto je prvýkrát, čo pohyblivé obrázky zaujmú prominentné miesto v jednej z veľkých katedrál kresťanstva."

Martyrs, umiestnený za hlavným oltárom katedrály v južnej uličke, je viacobrazovkový „video oltárny obraz“, v ktorom sú štyria rôzni jedinci podrobení život ohrozujúcim skúškam, pretože okolo nich zúria prvky zeme, vetra, ohňa a vody. Jeden muž zostáva sedieť, pretože mu hrozí požiar. Ďalší je zdvihnutý hore na kríž hore nohami predtým, ako ho zaplaví prúd vody. Okovitá žena sa krúti a otáča, zasiahnuté tornádom, zatiaľ čo štvrtá osoba povstáva z hromady zeme.

"Je to súcitná práca," hovorí Mark Oakley, kancelár kanonika svätého Pavla, ktorý dohliadal na projekt Viola od jeho vzniku pred 11 rokmi. „Títo ľudia sú sami so svojou vierou a svedomím a umierajú pre niečo, o čom si myslia, že stojí za to zomrieť. A táto otázka je nevyhnutne položená späť na nás: sme tu skutočne sami so sebou. Dôstojnosť a krása a mier v tom, čo sa s nimi deje, sú tiež - niečo sa transformuje. Verím, že mučeníci sú záhadní, ale veľmi hlbokí. Povesť o Bohu je v nej živá. “

V dobrej viere

Viola nie je v posledných rokoch jediným súčasným umelcom, ktorý prispel k osvedčenej tradícii náboženského umenia bez toho, aby sa uchýlil k satire alebo výsmechu. Britský umelec Mark Wallinger napríklad vytvoril niekoľko umeleckých diel, ktoré čerpajú z mechanizmu náboženstva a skúmajú otázky viery. Patrí medzi ne Ecce Homo (1999), odliatok z bielej živice v životnej veľkosti mladého muža predstavujúceho Krista, ktorý bol dočasne umiestnený na vrchole štvrtého podstavca na Trafalgarskom námestí.

Ecco Homo, Mark Wallinger (Tony Kyriacou/Rex)

"V súčasnosti pracuje niekoľko súčasných umelcov, ktorí sa k náboženským témam stavajú bezprostrednejšie, bez toho, aby ich podkopali," hovorí Sliwka. „Ana Maria Pacheco si napríklad často vyberá náboženské témy, ako napríklad sťatie krstiteľa, aby sa vrátila k známemu biblickému príbehu, ale aby ho použila aj ako politický príklad toho, kto hovorí„ pravdu o moci “a upozorňuje na problematická politická história jej rodnej Brazílie s odkazom na násilie vyvolané kolonializmom a africkým otroctvom.

Minulý rok okrem toho Svätá stolica prvýkrát vystavovala na Benátskom bienále - ako však Sliwka zdôrazňuje: „Práce vybrané pre ich pavilón zámerne obchádzali prácu, ktorá sa priamo týka katolíckych tém alebo obrazov.“ Pokračuje: „Súčasné diela, ktoré skúmajú duchovné témy širšie - ako napríklad videoinštalácie Billa Violu - sú dnes úspešnejšie u publika, ktoré má tendenciu reprezentovať rôzne presvedčenia, pozadia a životný štýl.”

Možno je prekvapujúce, že vzhľadom na to, že žijeme v dobe, ktorá je stále viac sekulárna, zdá sa, že veľká tradícia kresťanského umenia je živá a zdravá. "Najmä katedrály v posledných rokoch dosť tvrdo pracovali na tom, aby povzbudili súčasných umelcov, aby priniesli svoje práce do katedrály," hovorí Oakley. "Všetci hľadáme zvučný a univerzálny jazyk, pomocou ktorého by sme mohli skúmať otázky, ktoré by ste mohli nazvať duchovnými." A pre mnohých už náboženská slovná zásoba nie je, nie je zvučná, takže musíme nájsť zdieľané formy, ktoré môžeme použiť na začatie konverzácie - a umenie je jednou z nich. Srdce náboženstva je o laboratóriu ducha: je to o duchovnom raste a rozvoji a transformáciách. Preto sa vôbec nečudujem, že keď sa umelci stretnú s ľuďmi viery, zistia, že sa veľa prekrývajú, pokiaľ ide o spoločné záujmy a starosti. Súčasní umelci môžu cirkvi ponúknuť obrovské množstvo peňazí - a naopak. “

Alastair Sooke je umelecký kritik denníka The Daily Telegraph.

Ak by ste chceli komentovať tento príbeh alebo čokoľvek iné, čo ste videli na BBC Culture, zamierte do nášho Facebook stránku alebo nám pošlite správu na Twitter.